Rien à voir (10): critiques

Gestures Glimpsed Through Holes In The Acousmatic Screen

par Dr. Rosemary Mountain
in Musicworks (Canada), 1 juin 2002

The Rien à voir series can be seen as an expression of the maturity of the field of electroacoustics and a testimony to its popularity in Montreal. It exists as an independent concert series, managing to attract an impressive public over a four-day period, three times a year. It maintains a sufficiently high level of interest, with its blend of the familiar and the unknown, to keep that public returning — with friends — for the next set. The series’ popularity is nourished by the active electroacoustic studies occurring at the four local universities and the Conservatoire, and neither diminishes nor is diminished by each of those programs hosting its own concert series. The organizers ensure that junior and senior, local and international are all represented.

The fact that the public is faithful is revealed partly by their showing up even through changes of venue. This year, Rien à voir moved a mile up St. Laurent to the more relaxed Espace Go. Everyone with whom I spoke agreed that the sound there was excellent — whereas last year’s location never soomed to escape its long box proportions. Espace Go provided the opportunity to close one’s eyes and to be anywhere. As a friend pointed out, electroacoustics fare much better in a theatre space than a cinema space. Montreal, as a centre of acousmatic music, can scarcely conceive of a mere stereo diffusion: the only question is how you place your twenty or so speakers and what the room acoustics will do to the sounds that come from them — a somewhat unpredictable situation. The new venue has the added benefit of being situated across the strcet from Casa del Popolo, a small active club space which hosted a PostRien show after each evening’s last concert. This accommodated some alternative and more experimental work by local practitioners of ‘ea,’ and included a homage to Dhomont by several admirers (including former students) after the final concert on Saturday.

The title of the series, which translates as ‘nothing to see,’ was a little less apt than in past years: the scenery and lighting specialists who usually work in Espace Go were loathe to miss a chance to add their own touches. As a result, the first night’s concerts were accompanied by such dramatic lighting effects that the technicians had to be asked to minimize their enthusiasm, as many audience members really do want to close their eyes and listen without any visual distraction. For subsequent evenings, the compromise was very pleasing — a generally darkoned stage with dramatic, if reduced, lighting effects, which changed from one concert to another, silhouetting a speaker and the image of its suspending chain, or presenting a mysterious image of black forms and white spaces—a good alternative to shutting one’s eyes while listening. And what a listening feast it was! Even those few pieces which I did not fully enjoy were still sufficiently well crafted and coherent that I was able to enjoy the challenge of analyzing what I didn’t like — rather like having a good intellectual debate with an articulate adversary.

The form of the Rien à voir series is that each invited guest hosts (and usually diffuses) two concerts: the second is usually composed mainly of the guest’s own works and the first features works of special meaning to the guest, often by teachers, colleagues, and friends. Given the diversity of guests and their respective acquaintances, this formula is pretty well guaranteed to produce some interesting programming. The works tend to date from the last few years, but usually include a few notable exceptions. This time the exceptions were Pierre Henry’s Coexistance (1958) and François Bayle’s Espaces inhabitables (1967). Taking into account countries of origin and countries of residence, the four main guests of this series — Jacques Tremblay, John Young, Hans Tutschku, and Francis Dhomont collectively represented New Zealand, England, Germany, France, Switzerland, and Québec. The Québec region is rightly given additional representation by the young composers concert, and this year, by a special commissioning of several composers, including Pierre Alexandre Tremblay and Éric Rocheleau, who helped out as technicians and general ‘speaker-movers’ at the initial Rien à voir series years ago. Given the number of young electroacoustic composers in the city and the discriminating tastes of the organizers, it is not surprising that a small sample of their work should exhibit such strong and individual styles, but it is nonetheless reassuring, and is especially audible in works such as Andrea Holtslander’s Steam, Billow and Julien Roy’s Le Bosquet.

The first of the two concerts presented by Hans Tutschku bore the title Musiques gestuelles, a phrase that coloured much of my appreciation of the rest of the concerts. I have been exploring the idea and meaning of musical gesture lately — it suddenly occurred to me that although there are many of us who toss around the term, we do not always have a common definition. Is it a musical painting of a physical gesture? the sonic result of a physical gesture? an energy trajectory? a symbol of communication understood by those in the privileged community? Tutschku has been involved with a project at IRCAM, the Paris centre for music and technology, which explores another application of the term gesture: the designing of computer interfaces (sensors) that allow the user to control aspects of a sound by physical actions like moving the fingers. This enables the production of electronic sounds which incorporate subtleties of amplitude, timbre, and pitch fluctuation, in a way similar to those we are accustomed to from acoustic instruments, and the results are, not surprisingly, more ‘lifelike’ qualities in the sounds. I was, however, somewhat pleased to learn that Tutschku had not meant to refer to this more artificial use of gesture in his title, but rather that kind of gestural sense which is audible in some music in the form of particular definitions of rhythm and shape, resulting from an initiating idea or action.

Being thus directed by the title, I heard many gestures during the subsequent pieces in these two concerts. The acousmatic qualities, on the other hand, seem to me to be waning. (For a description of ‘acousmatics’ check out Luke Windsor’s thesis on the subject, A Perceptual Approach to the Description and Analysis of Acousmatic Music). I have understood acousmatic music to be generally associated with a focus on the sonic shapings of the composer. My own investidations of musical imagery have led me to believe that most music has at least latent tendencies towards this — a cello may sound overtly like a cello but evoke a slowly walking person or a flurry of butterflies. Whether or not we think of these images directly, we laugh if someone suggests an incongruous image to us. By Young’s definition, we may be left with very little that isn’t acousmatic.

In works like Eleazar Garzon’s Eleas (played by Tutschku), where traditional Buddhist and Japanese ritual chants were main sound sources, the gestures retained a considerable aura of significance from their original sources, although they were then transformed through considerable processing and re-contextualized in an imaginative way. Likewise, the rain in John Young’s Liquid Sky was clearly rain, though the piece itself became a true fantasia on the subject. In other works by Young, I was indeed consclous of the imaginary sound sources. I found it delightful to hear what seemed like the wines of little ‘things’ flitting across the room. It seemed a pleasant change to hear small sounds which seemed to have their own independence of motion within the known space of the listener’s environment, rather than the creation of an unfamiliar environment, where the listener is engulfed by a more monolithic, if transient, sonic wash — something I have heard too frequently in recent years and which I have thought of attributing to an unfortunate combination of soundscape awareness and urban living.

Although the relentless level of activity and harshness of dissonance in Hans Tutschku’s work made me hope that his recent move away from Paris to a small town will add some calm to his music (the rare quiet parts were hauntingly beautiful!), I was intrigued by the music-compositional approach audible in his structures. This was evident in relatively clear ways, such as the background evocation of ninth chords and secondary dominants, and in the subtle reinforcement of certain pitches throughout long sections, but also in the more elusive but strong impression that his pieces are based on a preconceived form, rather than resulting from a tinkering with sounds in the studio, and their subsequent arrangement into interesting sequences. Formal concerns were also prominent in the works of Jacques Tremblay, and his compositional concerns were further emphasized by his inclusion of a rarely heard work by the pioneer Pierre Henry.

To end a Rien à voir set of concerts with Francis Dhomont is a guaranteed formula for success. Every time one hears his works, one realizes why his reputation is so strong. He brings thought, passion, and sensitivity to all his works, and is sufficiently talented and selfcritical that he ensures a quality that continues to earn him new audiences. Although all the works on his concerts were satisfying, the last, Forêt profonde, was particularly special. It kept listeners rivetted throughout the fifty-eight minutes with its skilful mixture of abstract and meaningful sounds, intelligible and unintelligible speech, etc. The theme is, according to Dhomont’s notes, a psychoanalytical reflection, drawn through a collage of a variety of voices reciting and commenting on children’s fairy tales. The division into thirteen sections owes something to the thirteen parts of Schumannts Kinderszenen, and likewise echoes a particular mood or character in each. What makes this piece so compelling is that it works on several levels to achieve its objective — the sense of nalve wonder and mature reflection are manifest in the words, the juxtapositions, the timbre and intonation of the voices, and the numerous variations achieved through various degrees of processing, creating abstract sounds that weave through the work and enhance every moment. It is a work that can clearly be listened to many times, with new discoveries each time.

In fact, that comment is true of many of the works presented in this series, and that is one reason why so many from the city’s electroacoustic community attend these concerts. My own attraction to the genre is that I so often find the manipulations of time, sound, and space more clearly expressed in electroacoustics, but still applicable to the wider worid of music. For this reason, I still hope for the day when such works will attract audiences more accustomed to attending chamber music concerts.

205000 | haut

Boîtes à musiques

par Réjean Baucage
in Voir (Québec), 20 décembre 2001

Petit bilan de la 10e édition de Rien à voir, un événement qui proposait la semain dernière 47 œuvres dont 10 créations …

J’ai eu le plaisir de rencontrer Francis Dhomont, chez lui, quelques jours avant la série de concerts Rien à voir (10) qui se tenait du 12 au 15 décembre dernier pour souligner le 10e anniversaire de la société Réseaux. Nous avons parlé de l’évolution de la lutherie qu’utilisent les compositeurs de musique électroacoustique. De la bande magnétique des débuts, manipulée avec ciseaux et papier collant, à l’ordinateur avec ses programmes extrêmement sophistiqués d’aujourd’hui. «En effet, l’éblouissement de l’informatique ne prend-il pas la place de la réflexion musicale?, se demandait-il. Le médium devient-il plus important que le message? Oui, ça s’entend quelquefois et on a l’impression qu’il n’y a pas de musique, mais simplement l’expérimentation d’une nouvelle technologie. Quand on fait de la musique instrumentale, on doit être plus directement en face du problème du contenu, parce qu’il n’y a pas le masque de la technologie qui donne l’impression qu’en sachant utiliser un logiciel, on fera une oeuvre formidable.» Un problème auquel on a été confronté durant cette dernière édition de Rien à voir, qui proposait pas moins de 10 créations disséminées parmi un programme de 47 oeuvres.

Cinq oeuvres commandées aux compositeurs qui formaient l’équipe technique lors des trois premières éditions de Rien à voir (1997-98), Nicolas Borycki, Pierre Alexandre Tremblay, Éric Rocheleau, Alain Gauthier et Nicolas Boucher, n’ont guère soulevé l’enthousiasme, ou, lorsque c’était le cas, n’ont pas réussi à maintenir l’intérêt. Des pièces qui s’arrêtent n’importe comment, comme si on avait coupé le courant, des clichés, de la confusion; bref, une mauvaise cuvée pour des compositeurs qui ont déjà été plus intéressants. La plus belle surprise, côté relève, est venue du concert des jeunes compositeurs avec George Forget qui nous a fait entendre une pièce solide, en trois mouvements variés utilisant entre autres des sons instrumentaux. Le compositeur a diffusé sa pièce avec brio. Mentionnons également au même programme les oeuvres d’Andrea Holtslander et Mathieu Lafontaine, que l’on réécouterait avec plaisir.

C’est devant une salle qui affichait complet que Francis Dhomont a présenté deux créations en clôture de la série de concerts. Prouvant, si cela était nécessaire, qu’il n’est pas de ceux qui se laissent obnubiler par le médium, mais sans laisser de côté pour autant sa grande virtuosité à la diffusion, il nous a d’abord servi une nouvelle version de Vol d’arondes, composition multi-pistes où sons naturels et spectres artificiels s’appellent et se répondent pour créer dans la salle de concert un espace paradisiaque. On a ensuite entendu Un autre printemps, oeuvre vive, brève et humoristique que l’on retrouvera avec plaisir dans un film récent d’Uli Aumüller sur la musique concrète. C’est par Forêt profonde, un classique, que le compositeur expérimenté a mis un point final à ce 10e Rien à voir avant de cueillir des bravos mérités.

201000 | haut

Musique acousmatique: Bonheur de la beauté bien pensée

par François Tousignant
in Le Devoir (Québec), 17 décembre 2001

La dixième manifestation de musique électroacoustique Rien à voir s’est terminée de la même façon que ce genre de festival a été inauguré: un concert consacré à Francis Dhomont. Un peu comme un salut respectueux à celui qu’on aime affectueusement appeler «l’ancêtre» de l’acousmatique ici. En fait, il y eut bien des expériences faites par des compositeurs avant son arrivée, mais sachons reconnaître la place importante qu’il occupe dans le paysage acousmatique de ce pays.

Francis Dhomont a en effet un mérite double. Le premier est d’avoir su rassembler autour de sa passion. Ensuite, conséquence directe, celle de la faire partager, donc d’enseigner, de poser des fondements théoriques plus rigoureux sur lesquels l’intuition peut se baser pour vraiment se développer en art. Avec cette soirée de Rien à voir, non seulement se rend-on compte des fabuleuses lettres de noblesse que ce genre multiforme a su prendre, mais davantage, on pose une sorte de regard esthétique sur trois générations.

Dans la partie de la soirée réservée aux choix de Dhomont, on a pu (ré)entendre Espaces inhabitables de François Bayle. Même si Dhomont diffuseur regrettait un peu de ne pas encore avoir mis à sa main avec toute la souplesse qu’il désire l’orchestre de haut-parleurs et la console dont il disposait, l’exploit fut loin d’être mince.

Un grand pan de l’art de ce que l’homme de la rue appelle «musique électronique» est malheureusement voué à disparaître dès que la technologie dont il use fait date. Comme sur les produits de consommation alimentaire, on entend souvent des oeuvres périmées, où les compositeurs découvraient ici la modulation en anneau, là le sono-gel, les divers oscillateurs ou générateurs algorithmiques et qui, une fois la surprise technologique passée, tombent dans les oubliettes.

L’oeuvre de François Bayle montre que, malgré tout cet attirail technique en constante évolution et une quincaillerie qui rapidement souvent devient périmée, une pensée peut s’avérer souveraine et perdurer. Ces Espaces inhabitables peuvent encore longtemps meubler notre panorama musical par leur simple et forte beauté. Bien sûr, on sent la rhétorique — et Dhomont est maître de la rhétorique au sens noble du terme et rend celle du compositeur avec une élégance raffinée. Cela n’empêche en rien que, ne se donnant pas en spectacle ni ne cherchant à être un but en soi, elle participe de plein droit au propos esthétique.

La même chose peut se dire des oeuvres de Dhomont lui-même. On sent l’école (au sens de parenté artistique), on entend et reconnaît le style. Dans une ère où l’originalité à tout cran tend à primer, s’asseoir et écouter une musique bien balisée, une technique d’écriture maîtrisée qui laisse place à l’imagination réfléchie, fait du bien. L’art de Dhomont ne s’adresse pas aux couches épidermiques de l’oreille. Le compositeur-interprète nous emmène dans le même domaine que celui des fugues de Bach du Clavier bien tempéré. L’union entre le «propos» et sa réalisation se cristallise en gestes sonores, en images — abstraites ou concrètes — qui dialoguent et qui provoquent le retour à la source de l’émotion originelle sans l’artifice du spectacle d’épate.

Art intellectuel, certes, où la première donnée de l’équation domine et où la seconde se met au service du but recherché, cette musique s’entend avec un classicisme déconcertant de probité et de beauté.

Oui, tout est beau, même si on peut préférer ceci ou cela.

On a aussi découvert Cable Bay, d’Andrew Lewis. Courtes dix minutes où la musique se manifeste en pure splendeur sensuelle, que Dhomont diffuse avec un abandon musical subtil et affectueux. La richesse empoigne et, sitôt la pièce terminée, on se prend à en redemander. Dans le bel environnement sonore que se montre l’Espace Go, cela fait partie des instants bénis. La curiosité est stimulée, aveu non caché du désir de pouvoir entendre davantage du catalogue de ce compositeur.

Des commandes

Voilà pour les deux premières générations. La troisième s’est fait offrir un cadeau lors ce de Rien à voir. Pour remercier ceux qui, étudiants à l’époque des débuts de ces festivals acousmatiques, faisaient office de techniciens et s’occupaient dans l’ombre à installer le bric-à-brac nécessaire, tout câbler, déplacer, bref, ceux qui font que ça marche sans qu’on le sache, on a passé des commandes à ceux qu’on appelle de «jeunes» compositeurs, troisième portée de l’acousmatique formée tant par les élèves des pionniers que, parfois, par les aïeuls. Une commande par concert, en ouverture, soit cinq en tout. Des quatre pièces que j’ai entendues, toutes invitent au même genre de réflexion critique: ces artistes apprennent encore le vocabulaire, ont appris une technique, mais n’ont pas encore trouvé quoi faire avec.

Des enfants qui s’amusent avec des joujoux, voilà ce qu’on entend, et qui tentent de se donner un vernis par ce qui, dans le fond, reste encore une scolaire imitation, un exercice. À leur décharge, le format de dix minutes peut parfois être contraignant quand on a besoin de temps. Chacun à sa manière, semble se réfugier alors dans le confort de la chose apprise (voire de la citation: jeu dangereux que celui d’harmoniser tonalement une phrase aussi caractéristique et riche que le solo de hautbois d’Octandre, de Varèse, exemple entre bien d’autres). Comme si on voulait d’abord se réapproprier l’histoire avant que d’oser se la créer.

Attention cependant: si on doit reconnaître l’échec de ce pan de la manifestation, il faut dire tout aussi fort à quel point il doit se poursuivre. C’est en forgeant qu’on devient forgeron. L’expérience reste le seul remède aux flottements entendus, allant du truisme à la baliverne, se réfugiant dans le no man’s land où se cantonnent les pleutres. C’est ce qu’on souhaite à ces «aspirants»: du courage, de ce courage qu’on mettra nous aussi à les suivre.

199000 | haut

suite […] grandiose

par François Tousignant
in Le Devoir (Québec), 15 décembre 2001

[…] on se rassoit au même endroit le lendemain pour faire la découverte de Hans Tutschku. On connait un peu sa musique au disque; en acousmatique, un disque est un bien faible ersatz de la réalité. Ce que le concert a prouvé à l’envi!

Quiconque a des réticences (voire des allergies) à ce genre de musique si nécessaire au siècle et si brûlante de vision actuelle, porteuse d’avenir et d’intégrité engagée dans un présent visionnaire, doit absolument aller entendre Tutschku en salle.

On découvre ici une autre manière de penser et de faire l’acousmatique. Tutschku commence par créer une enveloppe spatiale, non pas comme épiphénomène cinétique du son qui tourbillonne dans l’habitacle de la salle, plus comme une scène multidimensionnelle qu’il aspire à habiter. La perspective parle, le silence est éloquent, le geste et la composition se découvrent omnipotents de sens.

Rapidement, on reconnaît qu’on est en présence du Haydn de l’électroacoustique. Chacune des cinq œuvres entendues est en effet aussi musicale, onginale, sentie, expressive qu’un quatuor à cordes de Haydn.

La conception de l’espace, chez Tutschku, n’est pas issue de vues trigonométriques. Nous nous retrouvons dans un environnement sonore utérin, matriciel, fécond de toutes les ouvertures nourricières d’une imagination aussi unique que fertile. Séduisant? Sûrement, et qui force une foudroyante concentration sur la musique, une musique qui ne parle que d’elle-même malgré certaines avancées politiques (comme dans … Erinnerung… ), qui veut d’abord et avant tout être art pour porter plus haut et noblement son message, que son temps d’existence redessine.

Le temps, cette donnée si fondamentale, tant physique que psychologique, I’art de Tutschku ne se contente pas de l’habiter ou de l’inventer: il le crée, le recrée, le nourrit et le modèle. Comme chez son classique ancêtre (oui, toujours, le parallèle avec Haydn s’impose comme incontournable), on ne trouve aucun déchet.

Rien au hasard

Peu importe l’œuvre, rien n’est laissé au hasard. Un son s’annonce en arrière-plan, disparait puis revient à l’avant-scène, une idée semble ornementale avant que d’être reprise comme fondement d’une section suivante de la pièce entendue.

La musique s’épanouit, s’engouffre en entonnoir et ressort on ne sait trop d’où, avec un naturel nécessaire bouleversant. Tout semble simple, ce qui permet d’arriver avec celerite intuitive à la profondeur. Tutschku pratique une sorte de valse étudiée, dansant entre les différents niveaux de perspective, à l’intérieur d’un plan comme dans la globalité du volume, passant de la narrativité à la Durchfürung dont il est probablement le plus grand maître depuis Berg et Stockhausen, à sa manière propre, sans citer ni user de méthode ou de parti pris esthétique scolaire.

Chacune des pièces s’entend en fait comme une sorte de forme sonate, sans exposition ni reprise. Discrètement, Tutschku nous mène au cœur de la musique, sa musique. La respiration de cet art se fait nôtre. Vocabulaire, syntaxe et grammaire, tout est transcendé. Que l’origine du matériau soit synthètique ou concrète (sons enregistrés comme la voix parlée, les gamelans ou autres objets sonores), le solfège rêvé et défini par Schaeffer aboutit ici, comme chez Jonty Harrisson ou Parmerud, dans cette zone sidérante et satisfaisante de la pure vérité.

Quoi? Que des chefs-d’œuvre? Oui! Absolument! Le plus beau est de reconnaitre un style qui convainc par sa seule grandeur, d’apprivoiser une griffe sans qu’aucun maniérisme ne se montre le museau. Le génie — ici je n’ai pas peur de l’expression ni ne galvaude le mot — ne s’impose; pas: il entraîne, irrésistiblement. La musique de Tutschku est habitante, à la fois maelström et vortex, explosion de supernova et calme de mer étale, à l’image de l’interprétabon qu’il en diffuse en salle, sublime d’intelligence et de poésie. Tellernent pris, on ne sait que discrètement applaudir. On attend le retour avec d’autant plus d’attente.

200000 | haut

Les yeux grands fermés

par Réjean Beaucage
in Voir (Québec), 13 décembre 2001

La société de concerts Réseaux, fondée en 1991 par les compositeurs Jean-François Denis, Gilles Gobeil et Robert Normandeau, célèbre cette semaine son 10e anniversaire et, comme le hasard fait bien les choses, elle nous propose la 10e édition de la série de concerts acousmatiques Rien à voir.

Vous dites? Acousmatique, c’est quoi? Vous savez bien: cette musique, descendante directe de la musique concrète, qui, à l’instar du cinéma, se monte en studio et se projette en salle obscure, sur un orchestre de haut-parleurs; on parle d’ailleurs de «cinéma pour l’oreille». Bon. Éh bien, cette fois encore, Rien à voir nous offre une sélection internationale en plus d’avoir profité de son anniversaire pour passer des commandes à cinq jeunes compositeurs d’ici dont les oeuvres pourront être entendues en avant-programme des concerts. On ne pourra pas taxer ces acousmates de sectarisme puisqu’une nouvelle entente avec l’étiquette No Type nous permettra d’assister à des concerts électroacoustiques hybrides à la Casa del Popolo (postrien), dans un lieu sans doute peu connu des amateurs du genre.

Comme pour les éditions précédentes, chacun des compositeurs présentés est invité à un premier concert «carte blanche», durant lequel il diffuse (ou interprète, si vous préférez) des oeuvres d’autres compositeurs qu’il apprécie; ensuite, dans un concert solo, il nous offre ses propres créations. C’est Jacques Tremblay, natif d’Arvida, qui ouvrait le bal le 12 décembre en nous proposant, entre autres pièces, une création d’une cinquantaine de minutes intitulée Empathies entropiques. Nous reviendrons sur les nombreuses créations jalonnant cette 10e édition de Rien à voir. L’Allemand Hans Tutschku est l’invité du jeudi et le Néo-Zélandais John Young, celui du vendredi.

Le dernier soir de la série est toujours réservé à un invité de marque. Cette fois-ci, cet honneur échoit à Francis Dhomont<</b>, qui y avait déjà eu droit lors de la cinquième édition de Rien à voir et à qui Réseaux a d’ailleurs consacré son concert de fondation en 1991 (un concert intitulé Top secret, célébrant les 65 ans de Dhomont, et qui fut une surprise même pour lui!). Francis Dhomont, qui a eu l’intuition de la musique concrète avant même que Pierre Schaeffer ne la baptise en 1948, a pratiquement dédié sa vie à la recherche électroacoustique, particulièrement sur son versant acousmatique, et a vu ses oeuvres recevoir prix et récompenses à un rythme surprenant (en 1999, il remportait cinq premiers prix au Brésil, en Espagne, en Italie, en Hongrie et en République tchèque!). Compositeur de génie, il est aussi un maître de la diffusion, et il faut s’offrir au moins une fois l’indicible plaisir d’assister à l’un de ses concerts.

Francis Dhomont nous offrira, entre autres, deux créations ainsi qu’une présentation de son oeuvre inspirée de l’essai Psychanalyse des contes de fées, de Bruno Bettelheim, Forêt profonde, la deuxième partie de son Cycle des profondeurs (dont la troisième, inspirée de Kafka, est en gestation). On lancera également un nouveau disque, Cycle du son, le cinquième chez empreintes DIGITALes (le sixième devrait suivre très bientôt). Son concert aura été précédé à 17h d’un programme de jeunes compositeurs, comme c’est la tradition dans le cadre des Rien à voir.

En complément de programme, la Casa del Popolo accueillera, sous le titre Dhomontèlements, 13 jeunes musiciens du Canada et des États-Unis qui rendront hommage au maître par des relectures de ses classiques (un événement qu’il attend avec enthousiasme!).

Réseaux offre encore ses concerts au prix de séances de cinéma. Vous dites? Il n’y a pas d’images? Mmm, fermez les yeux, vous verrez bien.

198000 | haut

Rien à voir remet ça pour une dixième fois

par Bernard Lamarche
in Le Devoir (Québec), 12 décembre 2001

Francis Dhomont a été invité à clôturer l’événement.

Dans le noir, l’événement Rien à voir remet ça, dès ce soir, pour une dixième édition, un anniversaire doublé par les dix chandelles de l’organisme fondateur de la série. Pour ce faire, on a invité le compositeur Francis Dhomont, pour une finale, samedi, haute en couleur.

Réseaux, l’organisme consacré à la promotion et à la diffusion de la musique électroacoustique, qui a mis sur pied l’événement, a toutes les raisons de festoyer, après avoir tenu le coup pendant ces années. Robert Normandeau, compositeur et cofondateur de Réseaux, souligne le parcours effectué en rappelant que Réseaux est né au début des années 90, dans un contexte de sécheresse du côté des subventionnaires. «Ça n’a pas été évident de faire la démonstration que c’était nécessaire d’avoir ce genre de société de concerts à Montréal». Il faut se rappeler qu’il existe deux sociétés de concerts d’électroacoustique au Canada, et que les deux se retrouvent à Montréal. Réseaux allait donc se spécialiser dans l’unique mandat de défendre cette musique.

L’histoire montre que l’organisme a visé juste, et que la série autrefois baptisée Rien à voir - Tout à entendre a porté ses fruits. «Le fait qu’on propose une série dont le projet artistique est extrêmement ciblé et qu’on a été très très bien accueilli», soutient Normandeau, a joué en faveur de l’organisme. «Dans la cité de l’image et du spectacle», une série comme Rien à voir à de quoi étonner. Or, le dossier de presse de l’événement s’épaissit en même temps que le public grandit. «Ç’a été reçu comme une nécessité vitale dans le milieu», soutient le compositeur. Comparativement à ce qui se fait dans le monde, les entrées sont respectables, «le succès dépasse le succès d’estime». En plus, les tarifs étudiants permettent d’atteindre une clientèle jeune qui suit le mouvement.

Programmation de choix
Un des clous de cette nouvelle édition tient à la présence de Francis Dhomont, le doyen de l’électroacoustique au Québec, sa figure la plus importante. En ce sens, Réseaux boucle la boucle. Le 2 novembre 1991, l’organisme produisait le premier concert de son histoire, Top Secret, dont la tenue soulignait le 65e anniversaire du compositeur, de même que la parution de l’album Mouvances~Métaphores, sous étiquette empreintes DIGITALes. Dix ans plus tard, le concert que donnera Dhomont coïncide avec un nouvel album, Le cycle du son. Lors de la soirée consacrée à Dhomont, ce dernier fera profiter les Montréalais de deux pièces inédites.

En plus de retourner à ses sources, la série actuelle a prévu commander des oeuvres à cinq jeunes compositeurs qui ont participé aux premières éditions de Rien à voir, de 1997 à 1999: Nicolas Boucher, Nicolas Borycki, Alain Gauthier, Éric Rocheleau, et Pierre Alexandre Tremblay. «Une poignée d’étudiants de l’Université de Montréal, au départ, nous ont donné un sérieux coup de main, relate Normandeau.Dans «l’esprit de la fête», la série cherche à remercier ces anciens étudiants, en leur donnant la première pièce de chacun des concerts de neuf heures.

Dès ce soir, Jacques Tremblay débute la série. Celui qui avait été marqué par Hymnen de Kalrheinz Stockhausen proposera une nouvelle création, intitulée Empathies Entropiques, d’une durée exceptionnelle de cinquante minutes. Suivront, demain, l’Allemand Hans Tutschku, pour une première visite à Montréal, puis vendredi, le Néo-Zélandais John Young.

Nouveauté pour cette édition, la série se déplace du Complexe Ex-Centris à l’Espace Go, rue Saint-Laurent. D’autres concerts, intitulés postrien ont lieu les 13, 14 et 15 décembre, à la Casa del Popolo, au 4873, rue Saint-Laurent.

189000 | haut

Pour les 10 ans de Réseaux, un dixième Rien à voir

par Alain Brunet
in La Presse (Québec), 11 décembre 2001

Mine de rien… Rien à voir existe depuis février 1997 et on y prévoit une dixième série de concerts à compter de demain. Mine de rien, Réseaux a 10 ans. Cette société y défend toujours cette tendance de l’électroacoustique ayant précédé toutes musiques présentées dans le cadre d’événements tels Élektra, le Media Lounge, Mutek ou autres microhappenings consacrés à l’exploration de la musique électronique. Cette tendance se nommait et se nomme toujours acousmatique. Rien à voir, indeed: pas de musiciens qui s’escriment devant vous, pas de projections multiécrans pour compléter le plaisir de l’oreille, que des enceintes acoustiques et un excellent système de son. Que du son, point à la ligne.

Du mercredi 12 au samedi 15 décembre, Rien à voir se tiendra pour la première fois à l’Espace GO. Les auditeurs seront livrés à un environnement sonore qui n’admet aucune distraction visuelle. D’où l’expression «cinéma pour l’oreille», qu’on aime bien chez les gens de Réseaux.

«Notre format est demeuré assez standard: un invité à qui on donne carte blanche pour nous faire découvrir une de ses pièces ainsi que des œuvres d’autres compositeurs. Les quatre compositeurs invités dirigeront la projection sonore des œuvres», explique Jean-François Denis, pilier de Réseaux, un organisme qu’il avait fondé avec Gilles Gobeil et Robert Normandeau -- en plus d’être propriétaire du label empreintes DIGITALes.

Ainsi donc, les quatre soirées qui viennent comprennent deux concerts différents par soir, soit une carte blanche à l’artiste invité à 19 heures et un concert solo, constitué de ses seules œuvres, à 21h. En outre, l’organisme Réseaux propose un concert le samedi 15 décembre à 17h avec des musiques de jeunes compositeurs montréalais.

Ce mercredi, Jacques Tremblay (Québec) inaugurera la série en présentant plusieurs de ses œuvres dont une création, Empathies entropiques, d’une durée exceptionnelle de 50 minutes.

Jeudi, l’Allemand Hans Tutschku (sa carte blanche embrasse, dit-on, les «musiques gestuelles» ) précédera le Néo-Zélandais John Young, prévu au programme de vendredi -- l’œuvre solo de ce dernier s’intitule «Landscapes and Inscapes».

Enfin, ce samedi, une soirée entière sera consacrée à Francis Dhomont, d’origine française et pionnier de l’électroacoustique québécoise. Ces activités autour du vétéran, coïncident, nous apprend-on, avec son 75e anniversaire.

Rappelons que le tout premier concert de Réseaux avait mis en relief le même compositeur, 10 ans plus tôt (le 2 novembre 1991, pour être précis). Dix ans après qu’ont eut aussi lancé l’album Mouvances~Métaphores de Francis Dhomont (sur empreintes DIGITALes), on lancera Cycle du son (même label) en plus de dévoiler deux œuvres inédites à l’Espace Go. «Il est en plein forme, il compose toujours», indique Jean-François Denis, la voix empreinte de respect à l’endroit de son aîné.

Pour souligner ses 10 années d’activités, Réseaux a aussi commandé des œuvres à cinq compositeurs qui ont participé aux premières présentations de Rien à voir de 1997 à 1999. Ainsi, Nicolas Boucher, Nicolas Borycki, Alain Gauthier, Éric Rocheleau et Pierre Alexandre Tremblay offriront en avant-programme des concerts de 21h et du concert de samedi à 19h, une œuvre inédite.

Enfin, ces 10 années d’activités de Réseaux seront également soulignées par l’événement postrien, trois soirées électroacoustiques hybrides «qui échappent aux catégories reconnues et aux genres établis», affirme-t-on: rendez-vous à 22h30 les 13, 14 et 15 décembre à la Casa del Popolo, en face de l’Espace Go. «On ouvre la porte aux nouvelles tendances en coproduisant avec elles de nouveaux événements», explique Jean-François Denis. Loin de lui l’idée de mettre les concerts acousmatiques de Réseaux au-dessus des autres expressions électroacoustiques ou électroniques en général, d’où cette association avec le label alternatif (et virtuel) No Type.

«Quand on a créé Réseaux, fait néanmoins remarquer Jean-François Denis, c’était pour se spécialiser dans une forme bien délimitée; les mélomanes qui se rendent à nos concerts savent à quelle forme s’attendre, ce qui n’empêche (évidemment) pas les découvertes.» Et ce qui n’empêche pas Réseaux de croître discrètement, doit-on ajouter. «L’événement, corrobore notre interviewé, est de plus en plus populaire; notre public a doublé (une moyenne de près 200 personnes par concert) depuis la période où nous le produisions au Théâtre La Chapelle -- jusqu’en 1999.» Le prochain Rien à voir est prévu pour avril 2002.

Le 10e événement Rien à voir est présenté ce mercredi, et ce jusqu’à samedi à l’Espace Go -- quatre soirées de concerts.

174000 | haut

Rien à voir déménage

par François Tousignant
in Le Devoir (Québec), 25 août 2001

Rien à voir, vous le savez peut-être, est une série de concerts acousmatiques, cet art aussi unique au XXe siècle que l’est le cinéma. Les premières prestations de cet organisme se sont tenues au sympathique Théâtre la Chapelle, haut lieu de tant d’innovations. Puis, on a déménagé ses pénates au Complexe Ex-Centris. En cette saison d’automne, Rien à voir fête son dixième événement. Les dates en sont du 12 au 15 décembre. Le lieu a aussi changé. Rien à voir se retrouve à l’Espace Go.

Les jeux de mots entre le nom du lieu et la nature innovatrice de ce festival électroacoustique sont faciles à faire. Je vous laisse les inventer. Cela dit, toutes facéties mises à part, le sérieux de l’entreprise étonne toujours, comme les défis que les Normandeau, Denis, Calon et compagnie nous lancent chaque fois qu’on se laisse emprisonner dans le noir de leur salle et la lumière musicale qu ils proposent.

Rien à voir (10), comme on le nomme avec cette graphie originale, se tourne principalement, ce mois de décembre, vers quatre compositeurs. D’abord, retenons le retour de Francis Dhomont. Toujours très vert car d’une imagination et d’une réflexion très vivantes et agissantes, c’est avec noble attente qu’on attend d’entendre ce que ce maître de l’art acousmatique, donc musical, va nous proposer tant de son cru que des choix qu’il a faits dans les œuvres de ses collègues.

Il faut en effet réitérer le principe gouvernant les concerts de Rien à voir. Toujours, ils sont groupés par deux, et tenus dans la même soirée. Le premier est une sorte de carte blanche (c’est d’ailleurs le nom de cette partie de la soirée) où le compositeur invité fait entendre la musique qu’il aime. Autre que la sienne bien sûr, histoire de nous faire découvrir ses propres découvertes. Puis, il y a une seconde séance, où là on entend les œuvres de l’intéressé devant nous. Ce qui est fascinant alors, dans cette mosaïque, c’est de découvrir ce paradoxe de l’acousmatique: comment un art figé sur bande reprend vie selon l’interprétation que, depuis la console de diffusion, le musicien-créateur en fait.

La bande est fixe, avec toutes ses pistes. Les haut-parleurs, nombreux, sont disséminés dans la salle (parfois même sous les sièges, pour certains effets, car on ne dédaigne pas de se servir du corps entier comme récepteur sonore). Le son bouge, s’anime et décrit des images, virtuelles, imaginaires comme imaginées et bien réelles dans leur beauté, quand la bonne œuvre arrive. En plus, ce qui fait la marque de Rien à voir, la sonorisation, jamais n’agresse ni ne violente l’oreille par l’intensité du volume.

Autres invités de cette dixième édition de Rien à voir le Québécois Jacques Tremblay, l’Allemand Hans Tutschku — dont on vient de faire paraître un disque dans la collection empreintes DIGITALes, histoire de se préparer à sa venue — et le Néo-Zélandais John Young. Vous ne connaissez pas?

Moi non plus, donc voilà assurément une belle manière de découvrir des créateurs qui pratiquent un art hautement moderne avec une inspiration qui n’a d’égal que le sérieux. Autrefois, on se fermait les yeux pour entendre le sermon, le dimanche, question de mieux se concentrer. Maintenant, dans le noir, on peut les garder grands ouverts pour suivre les mouvances sonores dans une salle noire et s’imaginer son propre cinéma.

Un événement à ne pas manquer, assurément.

188000 | haut